REFLEXIÓN

Para concluir este trabajo de los movimientos artísticos del siglo XIX y XX, voy a dejar mi opinión personal: trabajar con dicho tema fue muy útil y entretenido. 

En mi criterio, sirvió mucho para aprender acerca de los diferentes tipos de movimientos y sus respectivos representantes que se encontraban en esos siglos. También conocí obras muy famosas que no sabia de su existencia, provocando una gran atención de mi parte; y el nombre y autor de otras pinturas que ya conocía.

En mi opinión personal, el ARTE POP fue el movimiento que más me gustó y llamó mi atención.

El artista que más me agradó de este movimiento fue Warhol. La técnica que usa para llevar acabo sus obras me llamó mucho la atención, y los colores que utiliza, invirtiendo unos con otros, es el juego que más me gusta de este artista.

Los temas que trataba reflejando la vida cotidiana, las realidades de una época, etc; me parecieron entretenidos y alegres por la forma en que las representa. También las imágenes que antes se consideraban indignas para el arte como publicidad, carteles, revistas, periódicos, envases de bebidas como la coca-cola, paquetes de cigarros, imágenes del cine o la televisión, etc.

Para finalizar, puedo decir que me resultó un trabajo interesante, productivo y original, ya que nunca había realizado este tipo de trabajo en un sitio web para una profesora.

NEOEXPRESIONISMO

Contexto en el que se desarrolló:

Surgida tanto en Europa como en Estados Unidos desde mediados de los años 70,

enmarca diversos movimientos como son las transvanguardia italiana, el neoexpresionismo alemán, etc. En un primer momento, el expresionismo, el cubismo, y todas las vanguardias, tuvieron que enfrentarse a un público hostil y reacio. Pero tras la primera mitad de siglo, estos movimientos revolucionarios ganaron prestigio social y fueron admitidos en las academias. Es lo que conocemos como el triunfo de la modernidad. A partir de entonces, comenzó a considerarse la modernidad como un fenómeno perteneciente al pasado y este sentimiento es lo que se ha llamado Postmodernidad.

Técnicas y temáticas:

Frente a la idea de progreso, evolución e innovación de las vanguardias artísticas, el arte posmoderno defiende la cultura popular, la hibridación; se caracteriza por el eclecticismo, la mixtificación, el “nomadismo” –ir de un estilo a otro–, la “deconstrucción” –tomar elementos estilísticos del pasado–, etc. Así como la vanguardia se basaba en la innovación, la experimentación, la evolución, los posmodernos vuelven a los métodos clásicos, a la pervivencia de formas y estilos artísticos del pasado, creando una mezcolanza de estilos, cayendo en la repetición, la reinterpretación; el resultado es esta mezcla indiscriminada de temas y estilos.

Se incide en la tradición como vuelta a modelos clásicos de programa artístico. El artista es libre para transitar en cualquier época o estilo del pasado, tomando libremente cualquier referencia de otros autores. Suelen ser obras figurativas –aunque sin rechazar lo abstracto–, con referencias iconográficas, con gusto por lo fragmentario. Los artistas posmodernos recurren por igual al arte clásico y al de vanguardia, incluso los movimientos artísticos inmediatamente anteriores a ellos. Asimismo, mezclan imágenes del arte tradicional con el cómic, el graffiti, imágenes publicitarias o de medios de comunicación de masas. También recurren a todo tipo de técnicas artísticas, desde las tradicionales a las derivadas de la nuevas tecnologías. Todo ello lo reinterpretan de una forma subjetiva, personal, pero de forma indiscriminada e irreflexiva, sin pretender evocar algún tipo de concepto o enviar ningún mensaje. Asumen el arte como objeto y como finalidad en sí mismo, no como vehículo de transmisión de una realidad cultural circundante.

Por último, hay que remarcar que dentro del arte posmoderno hay una gran variedad estilística y conceptual, los diversos movimientos que lo integran –y dentro de éstos los diferentes artistas, cada uno con su sello personal– son heterodoxos y diversificados, sin carácter programático, cada uno con distintas finalidades y muy diversas peculiaridades. Incluso dentro de la evolución individual de cada artista. Hay notables diferencias según la geografía, sobre todo entre Europa y Estados Unidos, donde tiene quizá un tinte más crítico y reflexivo que el arte posmoderno europeo. Quizá por eso muchos críticos no ven un sello unívoco al arte posmoderno, sino que lo consideran un “cajón de sastre” donde situar diversas tendencias que sólo tienen en común su oposición al proyecto moderno. Aún así, el arte posmoderno será sin duda, con ese nombre u otro que pueda recibir en el futuro con más perspectiva histórica, el arte propio de finales del siglo XX y principios del XXI.

Artista y obra representativa:

David Salle:David Salle (Norman, Oklahoma, 1952) es un pintor estaunidense. Salle estudió en el California Institute of the Arts, donde fue alumno de John Baldessari; aquí empezó a utilizar en su pintura técnicas cinematográficas como el montaje y la pantalla dividida. Tras terminar sus estudios, se trasladó a Nueva York, donde vive y trabaja, y donde ha cosechado un enorme éxito de crítica y público. Se le ha adscrito a diversas tendencias del arte postmoderno norteamericano, como el Neoexpresionismo, el Simulacionismo, el Bad painting o la New Image Painting. Uno de sus primeros trabajos, en una revista pornográfica, supondrá una de sus más recurrentes fuentes de inspiración, el erotismo, imágenes de mujeres desnudas tratadas de forma realista, sin pudor. Tras algunas instalaciones y performances, hacia 1979 se decanta por unas pinturas realizadas a partir de imágenes superpuestas, mezclando técnicas y estilos: Salle utiliza indistintamente la imagen, el vídeo, el cine, el diseño y la moda; cuadros de gran tamaño, recurriendo a menudo al formato en dípticos y trípticos. A menudo crea una disposición teatral en la situación de los motivos, la ambientación y la iluminación de las escenas. Suele emplear técnicas mixtas con objetos tridimensionales, como mesas, telas estampadas y botellas. 

"Antiguas Botellas"

- David Salle. Óleo y acrílico sobre lienzo.La característica principal del estilo de David Salle es la yuxtaposición de imágenes, una superposición desorganizada e incoherente de imágenes provenientes tanto de la Historia del Arte como del diseño, la publicidad, los medios de comunicación, el cómic, la cultura popular, etc. En esta imagen vemos la inserción de signos de variada procedencia, recordando frecuentemente el graffiti. Vemos que su imagen tiene un cierto aire ingenuo, torpe, está expresamente mal pintada, con fallos de composición y estructura; pero es parte del proyecto de Salle, dar una visión de conjunto a través de la superposición de imágenes, reflejo de un estilo artístico irónico y autocrítico. 

Fuente:  http://www.epdlp.com/pintor.php?id=2669

 http://es.wikipedia.org/wiki/Arte_postmoderno

 http://es.wikipedia.org/wiki/David_Salle http://www.google.com.ar/search?hl=es&cp=13&gs_id=1l&xhr=t&q=david+salle+obras&bav=on.2,or.r_gc.r_pw.r_qf.,cf.osb&um=1&ie=UTF-8&tbm=isch&source=og&sa=N&tab=wi&ei=LtGVT_XjJ4XM9QSU8tXxAw&biw=1360&bih=624&sei=MdGVT970OYSu8ASlyqSZBA

HIPERREALISMO

Contexto histórico:

El hiperrealismo es una tendencia radical de la pintura realista surgida en Estados Unidos a finales de los años 60 del siglo XX que propone reproducir la realidad con más fidelidad y objetividad que la fotografía. A veces se confunde con el fotorrealismo que es menos radical.

El término hiperrealismo es también aplicable a la escultura y la historieta (Luis García, Alex Ross, etc).

Éste tiene un origen en la tradición pictórica estadounidense, favorable a la literalidad del trampantojo, como muestran los cuadros de finales del siglo XIX de William Harnett o John Haberle. Los artistas hiperrealistas tratan de buscar, con el más radical de los verismos, una transcripción de la realidad usando los medios técnicos y fotográficos de la manipulación de las imágenes. Consiguen con la pintura al óleo o la escultura, el mismo detallismo y encuadre que ofrece la fotografía.

En la década de los 1920, los pintores del precisionismo ya trabajaron con la ayuda de fotografías fielmente reproducidas (como en el caso de Charles Sheeler, pintor y fotógrafo a la vez). Pero es innegable que el arte pop sigue siendo el precursor inmediato del hiperrealismo, pues toma la iconografía de lo cotidiano, se mantiene fiel a la distancia de su enfoque y produce las mismas imágenes neutras y estáticas.

Aunque es complicado establecer un origen concreto para el hiperrealismo, sí puede sostenerse la idea de que el movimiento surgió en Estados Unidos, en los años en los que triunfaban allí las distintas corrientes derivadas de la abstracción.

Técnicas y temáticas:

El Hiperrealismo busca mantener en la pintura la conexión con la visión fotográfica del encuadre y la traducción fiel de la escena. Por tanto, los temas son  representados con exactitud minuciosa e impersonal en los detalles, por medio de una agudeza óptica llevada a cabo con tal virtuosismo técnico, que supera la "visión" del objetivo fotográfico.

Algunos representantes de este estilo trabajan a partir de fotografías, tratando con igual agudeza y precisión todo el cuadro. 

En algunos caso se utilizan grandes tamaños de cuadros y pintura plana, que aspiran a producir la impresión de inmensas ampliaciones fotográficas. 

Se va de lo real a la fotografía y de la foto al cuadro, reafirmando dos veces lo real o, tal vez, distanciándose doblemente del objeto; no hay una mirada subjetiva sobre la realidad, puesto que las imágenes son frías.

El propósito del Hiperrealismo es acercarse a una supuesta objetividad visual en la representación de retratos, naturalezas muertas, interiores y paisajes, a través de un singular método de trabajo que compagina técnica y disciplina. 

 Una disciplina de síntesis para la ejecución en la que intervienen los más modernos recursos infográficos junto a una superficial aplicación del color, por medio de veladuras y empastes y una destreza en el atrapamiento de la luz en el lienzo.

Cuándo apreciamos una buena obra hiperrealista, asistimos al más notable triunfo de la representación, debido a la máxima eficacia del oficio como modo de producción y método de apropiación de la realidad visible. 

Pero también es cierto que se produce saturación de la información visual: el apego a la transcripción objetiva normalmente dificulta el despliegue de una audacia imaginativa mayor o divertimentos cromáticos que permitan las necesarias sugerencias poéticas de las imágenes expuestas.

Artistas y obras representativas:

 Jorge Dáger:

 

A Jorge Dáger le fascinan las frutas. Las representa gigantescas y esplendorosas en su saludable aspecto. Parece, que les falta solo la fragancia. Su minuciosa descriptividad causó que algunos críticos hayan visto en ellas una expresión del hiperrealismo. Y probablemente, las primeras composiciones del pintor podrían sugerir este juicio.

 Las obras de Jorge Dáger representan las bien organizadas agrupaciones de las frutas tropicales, tratadas con un gran realismo; las mismas frutas que el artista conocía y apreciaba desde su niñez, vivida en gran parte en una finca familiar guariqueña. Las robustas y apetitosas naranjas, lechosas, cocos, caimitos y semerucos, a veces vistos muy de cerca, o en un corte compositivo parcial, exaltan su aspecto, de forma desmesurada, son representados en su rica y sensual materialidad de texturas. La pintura de Dáger muestra las pieles lisas y brillantes, o al contrario, porosas y ligeramente manchadas; algunas frutas aparecen abiertas, para permitir a una mirada curiosa penetrar sus gelatinosas partes internas, generosamente bañadas por la luz del trópico. Jorge Dáger como fiel exponente del hiperrealismo agranda el formato y sus frutas adquieren toda la luz. Su trabajo posee una exactitud rica en color. Su maestría es inmejorable en el manejo de la luz y en la creación de envolturas de plásticos con una precisión de versátil línea, revalorizando, eso sí, la realidad desde una perspectiva fresca y fulgurante; no hay anacronismo en su trabajo, sino una propuesta de acabada estética donde el talento y la técnica se entrelazan para brindar al espectador, en abierta exposición, una realidad de meticuloso trazo e inaudita belleza.

Fuente: http://bibliontecario.blogspot.com/2010/02/jorge-dager-le-da-vida-la-naturaleza.html

http://es.wikipedia.org/wiki/Hiperrealismo http://aprendersociales.blogspot.com.ar/2010/10/hiperrealismo.html

  http://www.portaldearte.cl/terminos/hiperrealismo.htm

POP ART

                                          Contexto en el que se desarrolló:

El Pop Art nace en Estados Unidos, como reacción artística frente al Expresionismo Abstracto, ya que lo consideraba vacío y elitista. Se desarrolló en los años sesenta y setenta del siglo XX)

Las fuentes del pop beben de la realidad cotidiana del momento, de la cultura de masas que nace de la industria de la reproducción; todo el mundo podía ver imágenes continuamente con lo cual la sacralización de la obra de arte dejaba de ser algo que tan sólo se viese en los museos.  Estos artistas intentaban buscar imágenes sencillas y reconocibles y elevarlas a la categoría de arte.

                                          Técnicas y temáticas:

Este movimiento se caracteriza por el empleo de imágenes eróticas de la cultura popular tomadas de los medios de comunicación, tales como anuncios publicitarios,comics, objetos culturales "mundanos" y el mundo del cine erótico. Es considerado de los últimos movimientos del arte moderno y por lo tanto precursores del arte postmoderno. Nació y se desarrolló primero en EEUU (Nueva York fundamentalmente), pero pronto pasó a Europa Occidental. Otras características destacables son: el empleo de imágenes y temas tomadas del mundo de la comunicación de masas aplicadas a las artes visuales. Subraya el valor iconográfico de la sociedad del consumo y el capitalismo. Aquí los objetos dejan de ser únicoss para ser pensados como productos en serie.

- Pop art quiere decir "Arte Popular", surge a final de los años 50 en Inglaterra y los EEUU.

- El empleo de imágenes y de distintos temas del mundo de la comunicación, todo esto aplicado en las artes visuales.

- Utiliza mucho la técnica de la subteposición de diferentes elementos tales como la cera, el óleo, la pintura plástica, materiales de desecho, la fotografía y el collage ensamblando todos estas cosas.

                                          Artista y obra representativa:

Andrew Warhola (Pittsburg, 6 de agosto de 1928 - Nueva York, 22 de febrero de 1987), más comúnmente conocido como Andy Warhol, fue un artista plástico y cineasta estadounidense que desempeñó un papel crucial en el nacimiento y desarrollo del pop art. Tras una exitosa carrera como ilustradorpintura, cine de vanguardia y literatura, notoriedad que vino respaldada por una hábil relación con los medios y por su rol como gurú de la modernidad. Warhol actuó como enlace entre artistas e intelectuales, pero también entre aristócratas, homosexuales, celebridades de Hollywood, drogadictos, modelos, bohemios y pintorescos personajes urbanos.Fue personaje polémico durante su vida - algunos críticos calificaban sus obras comopretenciosasbromas pesadas - y desde su muerte en 1987 es objeto de numerosas exposiciones retrospectivas, análisis, libros y documentales, además de ser recreado en obras de ficción como la película I Shot Andy Warhol (Mary Harron, 1996). Al margen de la fama y de la polémica, está considerado como uno de los artistas más influyentes del siglo XX debido a su revolucionaria obra.

“Marilyn Monroe”

 

 Utilizó fotografías de gran tamaño, las que servían de base para pinturas al óleo o a la tinta, técnica que permitía la producción en serie de imágenese, realizando alteraciones menores en cada versión. De estas series, se destacan: las fotografías de Marilyn Monroe, Elvis Presley, Mao Tze Tung, y la lata de sopas Campbell.

Andy Warhol y sus obras, encontraron eco en los años 60, junto a un grupo de artistas plásticos, actores, músicos escritores y otros miembros del underground neoyorquino, en el taller creativo Factory, donde se abocaban a la producción de cuadros donde la firma del autor operaba como una marca registrada.

Fuentes:

http://es.wikipedia.org/wiki/Andy_Warhol

http://www.parejashomosexuales.com/arte-y-espectaculo/biografia-de-andy-warhol-y-sus-obras.php

 http://www.navedelarte.com/estilos/popart.htm

OP ART

                                   Contexto en el que se desarrolló:

El Op-Art, o Arte Óptico fue un movimiento pictórico nacido en Estados Unidos en el año de 1958. Paralelamente, en Europa, se desarrollaba un movimiento llamado nueva tendencia que tenía bastantes aspectos similares al movimiento norteamericano. 
El término Op-Art se acuñó por un artículo publicado en 1964 por la revista Time, sobre un grupo de artistas que pretendían crear ilusiones ópticas en sus obras. Después de esto el término se adoptó como el nombre oficial de este movimiento. 

                                   Técnicas y temáticas:

El Op-Art se caracteriza por varios aspectos: 
La ausencia total del movimiento real, todas sus obras son físicamente estáticas, lo cual lo diferencia del Arte cinético. 
Se pretende crear efectos visuales tales como movimiento aparente, vibración, parpadeo o difuminación. 
Usa los recursos de líneas paralelas, tanto rectas como sinuosas, contrastes cromáticos marcados, ya sea poli o bicromáticos, cambios de forma y tamaño, combinación y repetición de formas y figuras, entre otros recursos ópticos. Usa también figuras geométricas simples, como rectángulos, triángulos y circunferencias en tramados, combinaciones o formaciones complejas. 
En muchos casos el observador participa activamente moviéndose o desplazándose para poder captar el efecto óptico completamente. 
Se usa el acrílico para obtener superficies lisas, limpias y muy bien definidas. 
El artista del Op-Art no pretende plasmar en su obra sensaciones o situaciones, no existe ningún aspecto emocional en la obra. 


                                 Artista y obra representativa:

Victor Vasarely es considerado el padre del Op Art. Durante los años 60′ y 70′ sus imágenes ópticas se convirtieron en parte de la cultura popular. Su lema era “Arte para todos”. Fue además un teórico congruente, que prefería ser llamado artesano antes que artista. Por otra parte, consecuente con sus teorías, creía en la desaparición de la obra única, singular, y aboga por el futuro ‘democrático’ de los ‘múltiples’ o repetición industrial y serigráfica del mismo modelo. Sus experimentos cinéticos, que transformaban la superficie plana en un mundo de infinitas posibilidades, mucho antes del advenimiento de los ordenadores, marcaron una era en la historia del arte. Para él la noción de movimiento se relaciona con la ilusión del espacio. De la unión entre estos dos elementos nace la obra plástica.



Victor Vasarely "Vega Nor", 1969  utiliza el "alfabeto Plastique" para crear ilusiones ópticas. Cada color y forma fue asignado a una variable que puede ser manipulada fácilmente. La relación cinética de color y forma dio dimensión a su labor. Él y muchos otros artistas Op crearon imágenes paradójica que desafiaron las limitaciones espaciales.


Fuente:
http://es.wikipedia.org/wiki/Op-art
http://www.taringa.net/posts/arte/1202607/Op-Art-_Arte-optico-muy-bueno_.html
http://www.taringa.net/posts/arte/1202607/Op-Art-_Arte-optico-muy-bueno_.html
http://aquileana.wordpress.com/2007/10/03/victor-vasarely/

SURREALISMO

Contexto en el que se desarrolló:

El movimiento surrealista nace en Francia finalizada la primera guerra mundial, cuando André Breton escribe el “Manifiesto surrealista” en 1924.Según Breton la posguerra exigía un arte nuevo, no de la cruel realidad, sino de los sueños y fantasías de uno. Breton se inspiro en un sicoanalista llamado Freud, quien descubrió que la libertad pura del ser humano se encuentra en los sueños, por que están por ejemplo la agresividad y el placer.

Los planteamientos del movimiento surrealista tenían una raíz política y un sector del surrealismo se afilió al Partido Comunista Francés. Se sucedieron manifiestos contradictorios y el movimiento comenzó a disgregarse.
A pesar de su deterioro, en 1938 se celebra en París la Exposición Surrealista Internacional, debido a que el movimiento se había extendido por muchos países.
Finalizada la contienda mundial, en 1946, el surrealismo como movimiento unitario ya prácticamente había desaparecido

Técnicas y temáticas:

El surrealismo se caracterizó por interpretación de la realidad desde el sueño, el inconsciente, la magia y la irracionalidad Conjunción de imágenes dispares (reales o irreales), tanto en el tiempo como en el espacio.

- Los objetos y formas sin su significación tradicional (principio de la "desorientación"), el observador queda desorientado.

- Creación de imágenes equívocas de manera que una misma cosa puede ser interpretada de varias maneras (principio de la "discordancia”).

- Da importancia a lo paradójico, lo absurdo, la caducidad, la destrucción y lo misterioso.

- Además de lo onírico, representación de toda clase de simbologías, especialmente eróticas y sexuales. Todo aquello estaba en contra de la moral, la tradición y la cultura burguesa.

En el surrealismo el arte se concibe como una forma de olvidarse de la realidad y buscar una manera de que el hombre se encierre en sí mismo, por algo su significado se deriva de dos raíces griegas: sub. que significa por debajo y realismo que implica lo que realmente es, o sea, la realidad.

Artista y obra representativa:

Salvador Domènec Felip Jacint Dalí i Domènech, más conocido como Salvador Dalí, 1° Marqués de Dalí de Púbol (Figueras, España, 11 de mayo de 1904 – ibídem, 23 de enero de 1989), fue un pintor español considerado uno de los máximos representantes del surrealismo.

Dalí es conocido por sus impactantes y oníricas imágenes surrealistas. Sus habilidades pictóricas se suelen atribuir a la influencia y admiración por el arte renacentista. También fue un experto dibujante. Los recursos plásticos dalinianos también abordaron el cine, la escultura y la fotografía, lo cual le condujo a numerosas colaboraciones con otros artistas audiovisuales. Tuvo la habilidad de forjar un estilo marcadamente personal y reconocible, que en realidad era muy ecléctico y que «vampirizó» innovaciones ajenas. Una de sus obras más célebres es La persistencia de la memoria, el famoso cuadro de los «relojes blandos», realizado en 1931.

Una obra representativa es:

“Persistencia de la memoria”

En 1.931 dalí pinta este tema onírico muy conocido. Al fondo aparecen muy iluminados los acantilados de Port-Lligat (Gerona). En primer plano, mucho más en penumbra, tenemos una serie de tres "relojes blandos" (tema recurrente en Dalí) que parecen estar derritiéndose. Cada uno tiene una hora distinta y un cuarto reloj es de bolsillo, en este caso colocado al revés y cubierto de hormigas (símbolo de la podredumbre y putrefacción para Dalí).

Todo es una alegoría de la subjetividad del tiempo y de la diferencia entre el tiempo de reloj y el tiempo biológico o subjetivo. Puedes observar una mosca y su reflejo sobre uno de los relojes. El paisaje está muerto, sólo una rama seca y tonos ocres lo conforman, pero como soporte de uno de los relojes tenemos una imaginativa figura con pestañas y nariz , puede ser el propio Dalí en forma de ameba, durmiendo, ya que en los recuerdos y en el sueño, las formas se confunden. Al final, la memoria de nuestras vivencias y recuerdos pervive por encima del tiempo.

Fuente: http://www.arteespana.com/surrealismo.htm  http://html.rincondelvago.com/surrealismo_8.html

 http://html.rincondelvago.com/surrealismo_8.html

 http://es.wikipedia.org/wiki/Salvador_Dal%C3%AD

DADAÍSMO

Contexto en el que se desarrolló:

El dadaísmo surge como el producto de la desilusión de la Primera Guerra Mundial, de la derrota y de la carnicería tan espantosa que hubo. Pensaban que la civilización que había producido esos horrores debía ser barrida y comenzar otra nueva.

El dadaismo obtuvo su nombre al azar. Empezó entre la década de 1940 y 1950. Estos pintores utilizan figuras amorfas. Además, usan mucho el simbolismo. Estas obras no tienen explicación por sí mismas, sin la ayuda del autor. Utilizan colores lisos, pero s ordos.

Nació en Alemania y Suiza durante la Primera Guerra Mundial, y despúes de la conflagración se trasladó a París. No era tanto un movimiento artístico como una actitud, una actitud de revuelta y de desprecio, de disgusto frente al orden social existente, caracterizado por una avaricia inhumana y un ansia de poder, y frente al arte tradicional, que había quedado invalidado por el hecho de que la sociedad lo consideró respetable.

Técnicas y temáticas:

Con el fin de expresar el rechazo de todos los valores sociales y estéticos del momento y todo tipo de codificación, los dadaístas recurrían con frecuencia a la utilización de métodos artísticos y literarios deliberadamente incomprensibles, que se apoyaban en lo absurdo e irracional. Sus representaciones teatrales y sus manifiestos buscaban impactar o dejar perplejo al público con el objetivo que este considerara los valores estéticos establecidos.

Para ello utilizaban nuevos materiales, como los de desecho encontrados en la calle, y nuevos métodos, como la inclusión del azar para determinar los elementos de las obras. Los dadá profesaban todas las artes, pero no se encasillaban en ninguna.

El dada defiende la libertad del hombre, la espontaneidad y la destrucción. Se opone al arte tradicional y a una ideología burguesa.

Refleja una protesta nihilista que va en contra de todos los aspectos de la cultura occidental, sobre todo contra el militarismo.

Su rebelión contra las normas establecidas era basada en una creencia profunda y proveniente de la tradición romántica, en la bondad esencial de la humanidad cuando no esta corrompida por la sociedad.

Artista y obra representativa:

Marcel Duchamp (AFI maʀsɛl dyˈʃɑ̃) (Blainville-Crevon, 28 de julio de 1887 - Neuilly-sur-Seine, 2 de octubre de 1968) fue un artista y ajedrecista francés.

Especialmente conocido por su actividad artística, su obra ejerció una fuerte influencia en la evolución del movimiento pop en el siglo XX. Al igual que este, abominó de la sedimentación simbólica en las obras artísticas como consecuencia del paso del tiempo, y exaltó el valor de lo coyuntural, lo fugaz y lo contemporáneo. Duchamp es uno de los principales valedores de la creación artística como resultado de un puro ejercicio de la voluntad, sin necesidad estricta de formación, preparación o talento.

Una obra representativa es:

"La Fuente" - 1.917 - Duchamp

"R" de "Richard" (en argot francés "ricachón") "Mutt" de "Mott Works" donde Duchamp adquirió el urinario en New York.

Lo relevante no es la obra (objeto escogido o encontrado y apartado de su contexto original) sino la idea. (De hecho el urinario original -como otros tantos ready-mades de Duchamp- se perdió)

Fuente:  http://perspectivaerea.blogspot.com.ar/2010/11/vanguardias-artisticas-ix-dadaismo.html 

 http://arquiarchivo.tripod.com/dadaismo.htm}

 http://html.rincondelvago.com/dadaismo.html

http://es.wikipedia.org/wiki/Marcel_Duchamp

ARTE ABSTRACTO

“Structure Joyeuse” de Vasili Kandinski o Wassily Kandinsky.

FUTURISMO

 “Tumulto en galería” de Umberto Boccioni.

CUBISMO

                              Contexto histórico: 

El cubismo surge en el siglo XX, en esos tiempos la situación mundial era muy tensa, ya había presagios de guerra, aunque Europa occidental navegaba aun tiempos de abundancia y progreso, las artes estaban en una búsqueda de algo nuevo. Así es como varios pintores comenzaron a descubrir nuevas formas de expresión, una de ellas fue el cubismo, que tuvo a su máximo exponente a pablo Picasso, y que fue quien mas desarrollo dicho estilo, uno de sus cuadros mas conocidos es el de Guernica, que refleja una realidad que sucedió en un periodo de la Guerra Civil española. La matanza tremenda realizada por la legión “Cóndor” de aviones alemanes que apoyaban a Franco al bombardear la villa de Guernica. 
Picasso quiere reflejar en su cuadro la tristeza y el horror de la guerra civil española, en especial lo que pasó en Guernica. Las figuras son alargadas y parezca que tienen vida.


                             Técnicas y desarrollo:

El cubismo está influenciado por las esculturas africanas. Los cuadros cubistas tienen muchos ángulos. Suelen ser figuras geométricas. Las principales figuras geométricas que usan los pintores cubistas son el cilindro, el cono y el cubo. El color es lo menos importante, suele ser aleatorio.
Los cubistas tenían conciencia de que el hombre moderno se desplaza cada vez con mayor rapidez y, consecuentemente, la idea que se forma de las cosas es compleja. Para traducir toda esa complejidad pintan distintas caras de un mismo objeto, reuniendo en una sola imagen lo que la mirada solo logra percibir sucesivamente. Resaltan así la idea de “simultaneidad”. Los artistas cubistas, al introducir una visión tridimensional del espacio, representaban de forma simultánea varios aspectos de un mismo objeto visto desde todos sus ángulos.
El cubismo representa una ruptura con la pintura tradicional: desaparición de la perspectiva (profundidad), utilización de una gama de color apagada (grises, tonos pardos y verdes suaves), introducción de la visión simultánea de varias configuraciones de un objeto (vista de frente y de perfil, por ejemplo) con lo cual desaparece el punto de vista único y, finalmente, atención a la cuarta dimensión (el tiempo) como un factor más de la pintura.
A pesar de ser pintura de vanguardia, los géneros que se pintan no son nuevos, y entre ellos se encuentran sobre todo bodegones, paisajes y retratos.
Generalmente se lo pinta al óleo, pero también es famoso por incorporar en sus pinturas materiales diversos como papel, cartón, madera, etc, (collage) esto se ve más en el periodo de cubismo sintético.

                                   Artista y obra representativa:

Fábrica de Horta del Ebro. 1909. Pablo Picasso. Pablo Ruiz Picasso (n. Málaga, España; 25 de octubre de 1881 - f. Mougins, Francia; 8 de abril de 1973), conocido como Pablo Picasso, fue un pintor y escultor español, creador, junto con Georges Braque y Juan Gris, del movimiento cubista. Picasso propuso en sus obras la fragmentación del espacio, es decir la descomposición en planos de su pintura; la representación en un mismo plano de imágenes de diferentes tiempos, es decir, la simultaneidad y la fusión de imágenes. 

Fuente: 
http://www.taringa.net/posts/arte/13176356/Cubismo.html
http://es.wikipedia.org/wiki/Pablo_Picasso#Primeras_pinturas http://es.wikipedia.org/wiki/Pablo_Picasso

FAUVISMO

                     Contexto histórico en el que se desarrolló:

El arte del siglo XX se caracteriza por que esta configurada de múltiples corrientes llamadas ismos. No todas las tendencias van en forma lineal una después de otra, sino que se relacionan para dar paso hacia otra nueva. Las vanguardias no se pueden ordenar en una linea de tiempo. Es un tópico el considerar el arte del siglo XX como ruptura con respecto a lo anterior, pero esta ruptura no comienza a principios del siglo XX, sino a fines del XIX. La Revolución Industrial y los grandes adelantos de la técnica ayudaron a moldear la mentalidad del hombre a principios del siglo XX. La primera y segunda guerra mundial, fue donde ocurrió el cambio. Cada cual trajo sus tendencias. Los filósofos aportan con sus teorías reveladoras. Hay vanguardias que no se pueden explicar ni entender si no se integran con estas teorías. Hay una gran necesidad de cambio que ha dado como resultado corrientes diversas e incluso contradictorias; como la tendencia conceptual y la realista.


                        Técnicas y desarrollo:

El Fauvismo es uno de los movimientos del siglo XX, se caracteriza por ser estético y sentimental, por ser un estado de espíritu ligado a las circunstancias del momento. Se apega a la libertad total de la naturaleza. Es más expresiva que realista, plasmando primordialmente los colores. El artista fauve implanta una comunión con la naturaleza, uniendo el arte con la vida, y a su vez, rechazando cualquier tipo de convencionalismos. El artista es un Demiurgo, moldea, crea su obra a partir de un principio generador parecida a la naturaleza. El fauvismo no debe ser entendido como una liberación desordenada que rechaza todo tipo de disciplinas o como ignorante. Otra característica del fauvismo es el gusto por el arte africano-negro y la influencia que este mismo tuvo en las obras. Este gusto por “lo otro”, encamina al fauvismo hacia una un ambiente cada vez más vanguardista. Los artistas más destacados son: Henri Matisse, André Derain, Maurice Vlamink, Braque, Friesz, Rouault, Marquet, Dufy y van Dongen. Quien le dio el nombre de fauvismo a este movimiento, fue Louis Vauxcelles, en su crítica hecha en el Salón de Otoño de 1905, por causa de los violentos métodos que utilizaban los artistas anteriormente nombrados. El arte fauvista no busca la perfección de formas, paisajes, retratos, etc, sino que expresa sentimientos representados por formas mediante un juego cromático, donde plasma colores saturados, fuertes, alegres, que logran llamar la atención. Al no buscar la perfección, este movimiento artístico se destaca por su sencillez. Utiliza la imaginación, mezclando el mundo real con el mudo interior. El Fauve (artista fauvista), deja fluir su intuición al momento de crear una obra, que es de interpretación libre, lo que la hace subjetiva. Destaca las formas y paisajes a través de un contraste de colores, saturándolos o marcando los contornos con líneas oscuras bien definidas. Entre los temas principales de fauvismo se pueden encontrar: paisajes, retratos, cuadros africanos o árabes, espacios como paredes o piezas, etc.

                           Artista y obra representativa:



La Ratlla Verda- Henri matisse. En la obra, vemos retratada a la esposa de Matisse. Es posible observar en su rostro un aspecto duro y ligero a la vez. La mirada de la mujer se encuentra ligeramente desviada hacia un punto fuera del cuadro del pintor. La cara de la mujer se aleja de un aspecto femenino, al contrario, las formas son bruscas y de carácter duro. Lo más importante, es notar el juego de líneas y colores que Matisse plasma en su obra. Una característica del arte fauvista es el juego de colores, y en la obra presente, esta característica es claramente notable. Esta es una de las obras más destacadas del famoso Matisse. Henri Émile Benoît Matisse (31 de diciembre de 1869 - 3 de noviembre de 1954) fue un pintor francés conocido por su uso del color y por su uso original y fluido del dibujo. Como dibujante, grabador, escultor, pero principalmente como pintor, Matisse es reconocido ampliamente como uno de los grandes artistas del siglo XX, considerado junto con Pablo Picasso uno de los más grandes artistas del siglo pasado. 


 Fuente: http://fauvismosigloxx.wordpress.com/imagenes/ http://fauvismosigloxx.wordpress.com/ 
http://es.wikipedia.org/wiki/Henri_Matisse

EXPRESIONISMO

Contexto en el que se desarrolló:

El Expresionismo nace pocos años antes de la segunda guerra mundial y perdura hasta que esta termina, nace en la Europa oriental y rápidamente se extendió por el mundo hasta llegar a norte América donde el presidente Roosevelt inicio un programa de fomentación del arte donde los artistas podían acceder a un sueldo a cambio de todas las obras que crearan cada mes, mientras tanto en Alemania las obras expresionistas eran perseguidas por el nacional socialismo (movimiento nazi) ya que eran consideradas arte impura, por otro lado desde el punto de vista del diseño gráfico el expresionismo fue una gran herramienta publicitaria ya que por el impacto de sus colores y los sentimientos que transmitía las piezas publicitarias que eran creadas con este tipo de arte generaban fuertes impactos a las masas, gracias a esto salieron a la luz grandes cartelistas expresionistas (principalmente polacos) como henryk Tomaszeusski, quienes vendían sus obras como parte de la publicidad de obras de teatro o películas de la época.

Técnicas y temáticas:

El expresionismo suele ser entendido como la deformación de la realidad para expresar de forma más subjetiva la naturaleza y el ser humano, dando primacía a la expresión de los sentimientos más que a ladescripción objetiva de la realidad. Entendido de esta forma, el expresionismo es extrapolable a cualquier época y espacio geográfico. Así, a menudo se ha calificado de expresionista la obra de diversos autores como Matthias Grünewald, Pieter Brueghel el Viejo, El Greco o Francisco de Goya. Algunos historiadores, para distinguirlo, escriben “expresionismo” –en minúsculas– como término genérico y “Expresionismo” –en mayúsculas– para el movimiento alemán.

Con sus colores violentos y su temática de soledad y de miseria, el expresionismo reflejó la amargura que invadió a los círculos artísticos e intelectuales de la Alemania prebélica, así como de la Primera Guerra Mundial (1914-1918) y del período de entre guerras (1918-1939). Esa amargura provocó un deseo vehemente de cambiar la vida, de buscar nuevas dimensiones a la imaginación y de renovar los lenguajes artísticos. El expresionismo defendía la libertad individual, la primacía de la expresión subjetiva, el irracionalismo, el apasionamiento y los temas prohibidos –lo morboso, demoníaco, sexual, fantástico o pervertido–. Intentó reflejar una visión subjetiva, una deformación emocional de la realidad, a través del carácter expresivo de los medios plásticos, que cobraron una significación metafísica, abriendo los sentidos al mundo interior. Entendido como una genuina expresión del alma alemana, su carácter existencialista, su anhelo metafísico y la visión trágica del ser humano en el mundo le hicieron reflejo de una concepción existencial liberada al mundo del espíritu y a la preocupación por la vida y la muerte, concepción que se suele calificar de "nórdica" por asociarse al temperamento que tópicamente se identifica con el estereotipo de los países del norte de Europa. Fiel reflejo de las circunstancias históricas en que se desarrolló, el expresionismo reveló el lado pesimista de la vida, la angustia existencial del individuo, que en la sociedad moderna, industrializada, se ve alienado, aislado. Así, mediante la distorsión de la realidad pretendían impactar al espectador, llegar a su lado más emotivo e interior.

Artista y obra representativa:

El estímulo más importante lo encuentra Munch en las imágenes simplificadas de las obras de Gaugain, que le servirán para transmitir la angustia y la soledad. Vivió angustiado, tuvo problemas psíquicos y esos sentimientos son los que volcará en su pintura.
En él la expresión surge como resultado de su vida atormentada. Siente predilección por la figura humana y las relaciones personales. Le obsesiona la impotencia del ser humano ante la muerte y la identifica con la mujer. Tiene una visión negativa de la vida, de la indefensión, de la soledad humana y del sexo.

Una obra representativa es:

 

“El grito” es la expresión de su miedo personal, pero en este cuadro Munch logra expresar el desfallecimiento del hombre ante una realidad cada vez más compleja y confusa.

Fuente:  http://www.arteespana.com/expresionismo.htm

                            http://arteexpresionismo.blogspot.com.ar/2010/08/contexto-historico.html
http://es.wikipedia.org/wiki/Expresionismo

NEOIMPRESIONISMO

Contexto en el que se desarrolló:

El neoimpresionismo tuvo una vida corta (1884 a 1891) ya que las obras requerían una paciente elaboración.

Movimiento artístico de finales del siglo XIX, fundado por el pintor francés Georges Seurat. El término fue acuñado en 1886 por el crítico de arte Félix Fénéon para designar el nuevo estilo empleado por Seurat en Un baño en Asnières (National Gallery, Londres), que había sido expuesto en 1884 en el Salón de los Independientes en París.

Técnicas y temáticas:

- Preocupación por el volumen.
- Formas concebidas dentro de una geometría de masas puras, bien definidas (pero sin perfiles).
- Preocupación por el orden y la claridad.
- Retorno a la ordenación meditada del cuadro, aplicando los principios clásicos de la composición.
- Aplicación firme del principio de la mezcla optica: los tonos son divididos o descompuestos en los colores básicos puros para que el ojo los restituya en la visión lejana normal.
- Utilización de la técnica del puntillismo: los cuadros son pintados mediante pequeñas pinceladas o punteados de colores puros para así lograr la mezcla optica.
- Predilección por asuntos como puertos, orillas de rios y escenas circenses (Signac).

Los cuadros neoimpresionistas no son estudios ni cuadros de caballete: son ejemplos

de un arte de gran despliegue decorativo, que sacrifica la anécdota a la línea, el análisis a la síntesis, lo fugaz a lo perdurable, y confiere a la naturaleza -tan hastiada ya de que se la reproduzca en forma dudosa- una verdad intangible"

Artista y obra representativa:

Un artista que me gustaría destacar es: Seurat.

 Pintor francés, uno de los máximos representantes del neoimpresionismo. Seurat nació en París, el 2 de diciembre de 1859 y recibió su formación en la Escuela de Bellas Artes. Rechazando el efecto borroso de las pinturas impresionistas, realizadas con pinceladas irregulares, inventó la técnica más científica del puntillismo, en el que las formas sólidas se construyen a partir de la aplicación de muchos pequeños puntos de colores puros sobre un fondo blanco. El revolucionario puntillismo de Seurat encontró muchos seguidores e imitadores. Muchas de las teorías de Seurat referidas a la pintura derivan del estudio de los tratados contemporáneos de óptica. Su tendencia científica se refleja también en sus hábitos de trabajar, que incluían horarios fijos y una meticulosa sistematización de su técnica. En 1884 Seurat acabó Los bañistas (Londres, National Gallery), una escena donde unos jóvenes se bañan en el río Sena, éste fue el primero de seis grandes lienzos que conformaron la mayor parte de su trabajo artístico. En ése y otros trabajos posteriores, continuó la tradición impresionista de mostrar las excursiones y distracciones de los días festivos. Su obra maestra, Un domingo de verano en la Grand Jatte (1884-1886, Instituto de arte de Chicago), representa a los paseantes del domingo de una isla del Sena. La pintura muestra una atmósfera de dignidad monumental a través de un orden equilibrado de sus elementos y los contornos de sus figuras. Las modelos (1888, Colección Barnes de Filadelfia), La parada (1889, Colección de Stephen Clark, Nueva York), El chahut (1889-1891, Museo Kröller-Müller, Otterlo, Holanda) y El circo (1890, París, Museo del Louvre) son otras de las grandes obras de Seurat

Una obra que me gustaría destacar de este pintor es:

“Una tarde de domingo en la Grande Jatte”. 1884

La temática de esta pintura también es impresionista: escena urbana, intrascendente, trivial. Sin embargo, la composición es muy estructurada, con figuras rígidas (más que en la obra anterior). Es un cuadro grande, muy ambicioso, que estuvo precedido de muchos bocetos, lo que se aleja de la técnica del impresionismo.
Seurat emplea los colores puros y los contrastes entre los colores complementarios (siguiendo a Chevreul). Las figuras simulan maniquíes y aparecen distribuidos de una manera muy rigurosa y planificada, con abundancia de líneas diagonales para generar sensación de profundidad (influencia de la estética japonesa). Además pinta el último plano de la composición (la orilla opuesta) con la misma nitidez y precisión que el primer plano.
También es muy significativa la forma de pintar las sombras, que son muy oscuras, acentuadas y potentes, y se articulan con la figura como si fueran en un ángulo de 90º. Estas sombras tampoco contribuyen a crear sensación espacial, sino que se limitan a resaltar que la escena se desarrolla en un día muy luminoso de verano.
Este cuadro está repleto de signos pictóricos más que de imágenes del natural. Con ello, lo que ocurre en el lienzo se va independizando de la realidad. Por esos, sería demasiado simplista hablar de un impresionismo científico. Estamos ante una obra simbolista que nos da una visión moral, posiblemente como denuncia de esa sociedad decadente.

________________________________________________________________________FUENTE DE INFORMACIÓN: http://www.arteespana.com/georgesseurat.htm

http://html.rincondelvago.com/historia-del-arte-contemporaneo.html

http://www.galeriaeva.com/grandespintores/neoimpresionistas/index.html

 http://martinamantaras.blogspot.com.ar/2010/04/neoimpresionismo.html